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Jueves, 02 Mayo 2013 19:55

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Jueves, 02 Mayo 2013 19:54

Equipo Creativo

Carlos Mario Betancur Ramirez

Elkin Argiro Estrada Gómez

Carlos Andrés Soto Narváez

Ángela Valencia Mejía 

Julián Felipe Rodríguez Montoya

Elkin Darío García Arcila 

Santiago Montoya Restrepo

Gabriel Jaime Alvarez

Viernes, 26 Abril 2013 23:46

Tito Andrónico

TITO ANDRÓNICO de William Shakespeare

Actuación Argiro Estrada, Carlos Soto,Gabriel Álvarez, Ángela Valencia, Ángela Cano, Irley Ruiz, Julián Rodríguez

Santiago Montoya, Elkin García, Fredy Alzate

Dirección Kamber

Composición Musical
Julián Rodríguez

Versión Dramatúrgica
Carlos Soto, Kamber

Vestuario y Diseño de Escenografía
Teatro Tespys

Luminotécnia
Valentín Betancur Ramírez

Fotografía
Sandra Zea

 

PRIMER ELOGIO A SHAKESPEARE


Así como el griego se hizo famoso y elocuente por Homero, Hesíodo, Eurípides, Esquilo, Sófocles, Píndaro, Focílides y Aristófones, y el latín por Virgilio, Ovidio, Horacio, Silio Itálico, Lucano, Lucrecio, Ausonio y Claudiano, del mismo modo el inglés se ha enriquecido poderosamente y se ha adornado con raros atavíos y brillantes prendas por sir Philip Sidney, Spencer, Daniel, Drayton, Warner, Shakespeare, Marlowe y Chapman. Como el alma de Euforbio se consideraba viviendo en Pitágoras, así el alma ingeniosa de Ovidio vive en el melifluo Shakespeare; testigos, su Venus y Adonis, su Lucrecia, sus dulces Sonetos, conocidos de sus amigos íntimos... Y así como se estima a Plauto y a Séneca cual los mejores para la comedia y la tragedia entre los latinos, así Shakespeare, entre los ingleses, es el más excelente en ambos géneros escénicos; para la comedia, testigos Los dos hidalgos de Verona, sus Equivocaciones, sus Trabajos de amor perdidos, sus Trabajos de amor ganados, su Sueño de una noche de verano y su Mercader de Venecia; para la tragedia, sus Ricardo II, Ricardo III, Enrique IV, El Rey Juan, Tito Andrónico y Romeo y Julieta. Y como Epio Stolo decía que las musas hablarían en la lengua de Plauto si quisieran hablar latín, así digo yo que las musas hablarían la bellísima y fluente frase de Shakespeare si hubiesen de hablar inglés.
(Francis Meres) (Palladis Tamia o "Tesoro del ingenio", 1598)

 

LA ESPELUZNANTE TRAGEDIA DE "TITO ANDRÓNICO" Y SU BALADA

 

Seguía a Shakespeare, a la vez que representaba, alternando la composición de las obras originales con la revisión y arreglo de antiguas piezas olvidadas. Una de éstas, que le ocupo los finales de 1593, fue Tito Andrónico.

Ignoramos cómo hasta ahora no se hizo el menor intento por trasladar a la lengua de Castilla esta tragedia, sólo comparable en horror con las Euménides, de Esquilo. Quizá su carácter, en cierto modo canivalesco; sus escenas sombrías, en que el crimen sucede con rapidez al crimen y las víctimas son bárbaramente mutiladas, detuvieran la pluma de comentaristas y traductores.

 

Y no obstante, en medio de la atroz carnicería con que se enlazan, como con una cinta roja de sangre, una tras otra, las escenas; al lado de las profundas simas en que se forja la violación y el asesinato, la serpiente duerme enroscada a los rayos del sol y el céfiro refrescante agita con dulzura en los bosques las hojas verdes, cuyas móviles sombras se dibujan sobre la tierra. Mil ecos repiten, en el trágico día de la caza, donde los hombres son las únicas fieras, el ladrido de los perros y los gemidos de las bestias acosadas, a que responden con su voz aguda los sonidos ruidosos de las trompas. Y en la tarde serena y ensangrentada añórase la feliz tempestad en que Dido y el príncipe errante se refugiaron al abrigo de una discreta gruta.

 

Shakespeare, insuperable siempre en hallar en el contraste la fuente eterna de la belleza, ha logrado sublimar, matizándolo de hermosos pensamientos, vigorosas experiencias y raras metáforas, un tema que para otros hubiera sido repulsivo.

Ciertos comentaristas y críticos, llevados del fondo de complacencia en el mal que parece presidir la entraña de toda la obra, han dudado de la paternidad de Shakespeare. Recuérdese que Eduardo Ravenscroft, dramaturgo mediocre de la época de Carlos II, cuando en 1678 preparó y dió a la escena una refundición de Tito Andrónico, manifestó que algunas personas afectas al teatro, que habían alcanzado los últimos años de Shakespeare, le confesaron que la tragedia no le pertenecía en total, sino que había sido adquirida por un empresario para ser representada, y que el célebre dramaturgo sólo intervino en ella con ciertos retoques maestros en una o dos partes de los primordiales caracteres. Edmundo Malone muestra inclinarse a la misma sospecha.

 

Otros, que admiten la tragedia como genuina de Shakespeare, la consideran su primera producción, un simple ensayo de juventud. Empero, nada más lejos que juzgar a Tito Andrónico como intento dramático. Revela bien a las claras un sistema calculado de composición, una manera, un estilo, pericia y destreza escénica acentuadas. Además, por testimonio de Ben Jonson, sabemos que Tito Andrónico gozó antaño de tan extendida popularidad como la lúgubre Tragedia española, de Tomás Kid.

 

Por otro lado, quedan, entre muchos más, dos datos incontrovertibles para tener a la obra por shakepeariana: el testimonio de Francisco Mares, que se la atribuye al célebre dramaturgo, y el haberla incluído Heminge y Condell en el folio primero. Sir Sidney Lee sólo reconoce la mano de Shakespeare en varias situaciones de Tito Andrónico y en distintos pasajes de innegable belleza. A su juicio, la obra fué escrita en conjunto en 1591, por el antes mencionado Tomás Kid, con alguna ayuda, quizá de Greene o de Peele. Shakespeare redondearía la tragedia con intervenciones felices aquí y allá, mas respetando el plan primitivo.

Desde luego, el buen catador de caracteres shakesperianos reconocerá enseguida en el Aarón, el moro -que el aludido Ravenscroft exageró al refundirlo-, uno de genuina creación shakesperiana.

Como fuentes de la tragedia señálanse una obra de semejante índole, intitulada Tito y Vespasiano, representada en 11 de abril de 1501 por los servidores de Lord Strange, y una balada del tiempo, que recogió Percy en su colección Reliquias de la antigua poesía Inglesa.

 

La balada dijérase anterior a la tragedia y su origen indudable, por cuanto Tito y Vespasiano apenas ofrece con ella nada de común. El Tito de Shakespeare es ajeno completamente al Tito de la historia. Trátase de un fantástico general romano, y la obra, en sus rasgos principales, tira a presentar un episodio ficticio de la decadencia de la Roma imperial. Menudean los anacronismos.

 

Tito Andrónico fue dado a conocer como obra "nueva" en el teatro londinense de La Rosa el 23 de enero de 1593-94 por la compañía de los servidores del conde Sussex. La licencia de impresión, por Juan Danter, lleva data del 6 de febrero del mismo año. La obra apareció de molde pocas semanas después. En la portada de la edición primera (1594) se describe como representada, no sólo por la compañía de los servidores del conde de Derby -uno de los títulos sucesivos que llevo la compañía de Shakespeare-, sino también por la del conde Pembroke y la del relatado de Sussex. La segunda edición no se estampó hasta 1600, y al nombre de las compañías citadas, que habían representado con gran éxito la tragedia, se añade el de los criados del lord chambelán, sucesor del conde de Derby en el patronazgo de la compañía del genial dramaturgo. Reprodújose esta edición en 1611, y de aquí debió de tomarla el folio primero. Empero, en éste se incluye la breve escena segunda del tercer acto, hasta entonces absolutamente desconocida, y emanante, sin duda, de la mano del propio Shakespeare.

(Luis Astrana Marín)

 

Viernes, 26 Abril 2013 22:59

Fausto

Fausto

 

Actuación: Ángela Valencia, Carlos Soto, Julián Rodríguez, Argiro Estrada, Santiago Montoya, Elkin García.

Dirección: Kamber.

Musicalización: Julián Rodríguez.

Luminotecnia: Kamber.

 

CHRISTOPHER MARLOWE, POETA DE ALAS SANGRIENTAS

Perseguiré siempre lo que vuela más allá de mi alcance, aunque la caída me precipite al infierno más profundo.

(Christopher Marlowe, La masacre de París.)

El final de la novela de Anthony Burgess A Dead in Deptford se basa en una hipótesis que ha inquietado a muchos investigadores: la posibilidad de que William Shakespeare hubiera sido en realidad Christopher Marlowe.

Marlowe, cuya existencia está documental e históricamente comprobada, nació el 6 de febrero de 1564 -el mismo año que Shakespeare-, y era el hijo mayor de un zapatero. Su talento lo condujo a apartarse del oficio de su padre, pues a temprana edad aprendió a leer en inglés y a traducir del latín.

Marlowe se educó en Cambridge donde las autoridades, debido a los numerosos líos en los que se metía, dudaron en concederle su título en artes en 1587. Parece que Marlowe rehusó jurar las órdenes y se sospechaba que quería "convertirse" al catolicismo romano.

Sin embargo las autoridades gubernamentales intervinieron en su favor y le fue concedido el grado. Son justamente los estudios académicos los que hacen pensar a muchos críticos que Marlowe adoptó más tarde el nombre de Shakespere, pues consideran que resulta imposible imaginar tal erudición histórica y profundidad analítica en un simple actor y libretista.

En la primavera de 1593 un amigo de Kit (así llamaban a Marlowe sus amigos) fue arrestado y torturado por el Consejero Privado de la Reina. Basado en esta "evidencia" el consejero iba a arrestar a Kit; pero antes de que la declaración tuviera lugar Marlowe murió en una reyerta en una taberna -cuya propietaria era una prima lejana del mago y matemático John Dee- del pueblo de Deptford, donde se encontraba con tres de sus amigos: Ingram Frizer, conocido estafador, artista y, aún peor, prestamista; Nicolás Skeres, cómplice frecuente de Frizer y probablemente quien lo ayudaría a escapar; Robert Poley, espía-jugador que ocasionalmente estaba al servicio secreto de su majestad. El patrón de Frizer, Tomas Walsingham, era primo del gran espía Francis Walsingham. La noche del 30 de mayo de 1593 los cuatro habían terminado de comer. Frizer y Kid comenzaron a discutir sobre quién pagaría la cuenta. Marlowe tomó el puñal de Frizer y lo atacó por la espalda. Después de un Breve altercado, Frizer recuperó su arma y le encajó a Marlowe el puñal a la altura del ojo derecho. Tal fue el final, al menos en lo que consta judicialmente en autos, de Christopher Marlowe. Por igual, éste sería el punto de partida del que nacería la leyenda según la cual Marlowe adoptaría el nombre de William Shakespeare para ocultarse, pues Kit también ejerció el oficio de espía doble d ela reina y de grupos católicos adversos a la corona. Tenía 29 años.

Aunque Marlowe revolucionó el genero dramático anglosajón con sólo seis obras (Dido, reina de Cartago, Tamerlán el Grande -en dos partes 1587- La trágica historia del doctor Fausto, 1604, Eduardo Segundo, 1592, El judío de Malta, 1589, La masacre de París, -ca. 1589) y creó el verso blanco inglés propio del drama isabelino, su obra parece purgar en español los infortunios del desdén.

En nuestra lengua se le han dedicado algunos estudios para analizar su peculiar obra dramática que, a pesar de todo, posee vislumbre de comedia muy acordes al ser inglés. Pero nadie ha reparado en la estética inherente a su trabajo poético. Anticipa en vario siglos la métrica y el verso libre con Tamerlán el Grande, lo que le confiere un carácter vanguardista y único en su siglo.

Por su sensibilidad, podemos y relacionarlo con Baudelaire y Goethe. Marlowe es reconocido como el verdadero fundador del drama inglés. Sin Marlowe como figura señera, Shakespeare y los otros poetas y dramaturgos isabelinos no habrían logrado la reputación de la que hoy gozan. La sustancia poética pareciera en Marlowe un ars combinatoria en que se yuxtaponen imágenes y sonidos que, en conjunto y no aislados, integran la expresión poética. La palabra es su música.

Los estudios en torno a la vida y la obra de Christopher Marlowe siguen suscitando vivas controversias. Algunos, propios de la época desencantada y sexificada que transcurre en estos tiempos aciagos, han querido encontrar en la vida íntima de dramaturgo claves para comprender el carácter, a veces complejo e intricado, de sus personajes trágicos. Sin embargo, en casi en todos los idiomas se ha producido desde hace años un renovado interés por conocer las circunstancias y la personalidad de quien, de no haber muerto tan prematuramente, habría gozado de una fama parigual a la de su coetáneo Shakespeare.

George Peele, un dramaturgo contemporáneo de Christopher Marlowe, lo llamó "el preferido de las musas", mientra que en el siglo XIX Alfred Tennyson afirmó lo siguiente: "si Shakespeare es el deslumbrante Sol de esta poderosa época, Marlowe es, ciertamente, su estrella matinal".

La obra poética de Marlowe ha pasado casi inadvertida para el lector de habla hispana. Ensayó su estilo poético traduciendo primero los Amores de Ovidio y el libro primero de la Farsalia de Lucano (1593). Su poesía original incluye "Hero y Leandro" (1593), que es una narración mitológica que anticipa el poema de Shakespeare, y "El pastor apasionado a su amada", que es un poema pastoril que inspiró muchas réplicas, como "La respuesta de la ninfa al pastor" de Walter Raleigh y "El cebo" de John Donne.

Traducción, selección y presentación de José Hernández García

Viernes, 26 Abril 2013 21:44

Carta abierta a William Shakespeare

O -a mi disgusto-.

Querido William Shakespeare,

¿Qué te ha pasado? Siempre sentimos que podíamos confiar en ti. Sabíamos que nuestro trabajo de puesta en escena a veces gozaría de aprobación, a veces seria rechazado.

Es lo normal. Estamos preparados para ello. Pero ahora el que recibe críticas adversas ere tú. Cuando aparecieron las críticas de Titus Andronicus, ensalzándonos a todos nosotros por haber salvado a tu horrenda obra, no pude evitar cierto resquemor de culpa. Porque, a decir verdad, a ninguno de nosotros se nos hubiera ocurrido pensar, mientras ensayábamos, que la obra podía ser tan mala.Por supuesto, enseguida comprendimos lo equivocados que estábamos. Y no antes que nadie hubiera estado dispuesto a admitir que ésa era tu peor obra de haberme visto asaltado por otras reflexiones. En ocasión de montar Trabajos de amor perdidos, por ejemplo, ¿no hubo acaso un crítico que escribió que ésa una pieza –más débil y tonta-¬¬? Y en el caso de Cuento de invierno, no recuerdo qué crítico dijo que –es ésta la peor obra de Shakespeare; un verdadero desecho pretencioso y pesado-. En ese momento yo había terminado la obra con la convicción de que, en su irrealidad, era un invención hermosa, altamente emotiva, una maravilla; una fábula cuyo final feliz, la estatua que cobra vida, no era otra cosa que el milagro verdadero generado por un Leonte lleno de una sabiduría y de una gran clemencia. Me temo que había perdido da vista el hecho de que ya no importaban ni siquiera los milagros, por improbable que esto parezca.Supongo que, poco a poco, iba preparándome para aceptar La Tempestad fue tu más grave error. Por supuesto equivocadamente, yo sentía desde siempre que era tu obra mayor; la veía como una suerte de reverso del Fausto, la última pieza del ciclo final de tus obras sobre la piedad y el perdón, una obra que es, en toda su extensión, una tormenta desatada, la cual la calma llega soló en las últimas páginas. Sentía que estabas en pleno uso de tu talento cuando decidiste hacerla dura, abrupta, dramática. Que no era casual que en las tres tramas marcases el contraste de un Próspero solitario y ávido de verdad con los señores asesinos y brutales, con bufones oscuramente perversos y ambiciosos. Que no te habías olvidado de repente de las reglas de la dramaturgia, como por ejemplo aquella que dice –hacer que cada personaje sea semejante a cualquiera de los espectadores-, cuando deliberadamente colocaste a la más grande tus obras maestras un poco más lejos de nosotros, en un nivel más alto.Ahora, tras haber leído todas las críticas, descubro que La tempestad es tu peor obra –absolutamente la más mala de todas- y debo disculparme ante ti por ser capaz de disimular mejor sus muchos defectos. Afortunadamente, fui consiente de mi error hallándome todavía en Stanford, y como tenía un par de días disponibles antes de marcharme pensé que seria bueno ir a ver de tus obras maestras más celebres. Consulté la programación. Daban El Rey Juan, y cuando estaba a punto de conseguir mi localidad recordé haber leído que esa obra era <>; de manera que decidí no perder mi tiempo con ella. La noche siguiente estaba programada Julio César, pero de esta se había dicho que era una de tus obras , de manera que esperé que pusieran en cartel Cimbelino (confieso que siempre he sentido por la encantadora fantasía de este cuento un amor incondicional). Sin embargo, para hacer tiempo, me puse a leer la críticas que qué exhibían en el teatro y descubrí que casi todas ellas coincidían en que, pese a que la puesta en escena la salvaba, era ésta <>, y aunque suele gustarme precisar una puesta en escena brillante y unas buenas actuaciones, comprenderás que esta vez lo que quería era ver una buena obra.Entonces me llamó la atención el anuncio de A vuestro gusto. Y allí estaba, en letras de molde: matinée, 14.30 horas, A vuestro gusto, la única de tus obras de la que nunca había leído o escuchado decir nada adverso; una obra libre de toda sospecha. De manera que pagué mi entrada y entre en la sala. Y ahora debo confesarte que no me gusta A vuestro gusto. Lo lamento, pero me parece demasiado campechana, como si fuera una especie de anuncio de cerveza; no la encuentro poética y, francamente, tampoco me parece demasiado graciosa. Cuando hay un villano, que se arrepiente porque se ha salvado por poco de que se lo comiera un león y otro villano, al frente de su ejército <> porque se topa con un <> y mantiene con él <>, realmente perdió la paciencia. De manera que ahora, mi querido autor, no sé qué decirte. Creo que la gran mayoría de todas tus obras son milagrosas, salvo A vuestro gusto. Los críticos piensan que la gran mayoría de tus obras son malas, o aburridas, salvo A vuestro gusto. El público las ama absolutamente todas, incluso A vuestro gusto. ¿Qué extraña condición es ésta? ¿Por qué se produce? ¿Cuál es el hilo conductor que une actitudes tan diferentes? ¿Influirá en mí el hecho de que tuve que hacer A vuestro gusto en mi examen de graduación? ¿Acaso el hecho de que tenga el deber profesional de ver cada una de las nuevas puestas en escena de Shakespeare que, quiérase o no, todos los años suben y bajan de cartel es suficiente como para que se vean salpicadas por el estigma de un certificado de estudios de pesadillas?
(PETER BROOK, más allá de espacio vacío)

Viernes, 26 Abril 2013 21:41

Beca de Creación

Beca Nacional de Creación Teatral

El grupo de Teatro Tespys de El Carmen de Viboral, que desde 1988 está comprometido con el quehacer teatral del municipio y la región, recientemente recibió un reconocimiento relevante, fue merecedor de la Beca Nacional de Creación Teatral que otorga el Ministerio de Cultura de Colombia, a través del Programa Nacional de Estímulos, con el proyecto de montaje teatral: TITO ANDRÓNICO de William Shakespeare; está beca es un premio al trabajo constante, empecinado y creativo que Teatro Tespys desarrolla en El Carmen de Viboral, con proyección regional y nacional.

La Beca Nacional de Creación Teatral, permitirá a Teatro Tespys poner en escena esta obra dramática del Teatro Clásico Isabelino, una tragedia que explorará los temas de la venganza, el honor, la sevicia, la familia, el cuerpo, la guerra y el amor, desde una propuesta artística que conjuga, híbridamente, la música de varios géneros del metal, las voces oscuras, la plástica generadora de atmósferas sangrientas y tenebrosas, desde la iluminación, los vestuarios y la escenografía, donde acude la violación, la venganza, el asesinato, la mutilación corporal y el respeto por el honor, todo ello recreado en la decadencia del Imperio Romano.

El montaje TITO ANDRÓNICO de William Shakespeare pretende llegar a todos los públicos y en especial al público joven. Esta propuesta artística hará parte del repertorio de Teatro Tespys y estará en temporada desde el 13 de marzo y durante el mes de abril de 2012 en la Sala de Teatro Tespys de la Casa de la Cultura de El Carmen de Viboral. Se harán funciones especiales para las instituciones educativas, a través del proyecto de formación de públicos que desarrolla Teatro Tespys: Estudiantes Espectadores de Teatro, que consiste en debatir, apreciar y reflexionar el teatro desde el aula de clase hasta la sala de teatro. De igual modo, se pondrá en consideración del público de la región, a través de funciones en los municipios de Marinilla, La Ceja y El Peñol, a través de la red teatral Movimiento GATO (Grupos Amigos de Teatro del Oriente).

Jueves, 25 Abril 2013 00:00

Beca Departamental

Beca Departamental de Creación Teatral

El grupo de Teatro Tespys de El Carmen de Viboral, que desde 1988 está comprometido con el quehacer teatral del municipio y la región, recibió recientemente un reconocimiento departamental: Teatro Tespys fue ganador de la Primera Convocatoria de Estímulos al Talento Creativo de Antioquia, estímulo otorgado por la Gobernación de Antioquia por medio del Instituto de Cultura y Patrimonio de Antioquia, quienes, con este proyecto de fomento realizan "la asignación democrática y participativa de los recursos públicos para apoyar el desarrollo de las propuestas creativas de las organizaciones y personas interesadas en el quehacer cultural y artístico del departamento de Antioquia".

Esta Beca Departamental de Creación Teatral fue otorgada al proyecto de montaje teatral: FAUSTO, Versión Libre de "La Trágica Historia del Doctor Fausto" de Christoper Marlowe; está beca es un premio al trabajo constante, empecinado y creativo que Teatro Tespys desarrolla en El Carmen de Viboral, con proyección regional y nacional.

Este reconocimiento permitió a Teatro Tespys poner en escena esta obra del renombrado poeta y dramaturgo inglés; cerrando así un proceso investigativo y creativo que el grupo venía desarrollando desde el 2010 denominado Trilogía del Teatro Isabelino Jonson-Shakespeare-Marlowe, donde además puso en escena a VOLPONE de Ben Jonson y a TITO ANDRÓNICO de William Shakespeare (Beca Nacional de Creación Teatral - Ministerio de Cultura 2011).

FAUSTO es una versión libre que Teatro Tespys realiza sobre el mito fáustico alemán propuesto por Marlowe en su obra de 1592; donde se recrean temas como la venta del alma al diablo, el poder, el bien, el mal, la ética, la ciencia, el conocimiento, la transgresión de las leyes de la naturaleza, la magia, las tentaciones oscuras, la mitología cristiana y la superstición. Esta propuesta artística ya hace parte del repertorio de Teatro Tespys y estará en temporada todos los viernes y sábados a las 7:30 pm, desde el 8 de febrero y hasta el 17 de marzo de 2013, en la Sala de Teatro Tespys de la Casa de la Cultura de El Carmen de Viboral.

Miércoles, 24 Abril 2013 23:36

Volpone

...Oro alma del mundo y mía...

 

VOLPONE

 

Actuación: Ángela Valencia, Irley Ruiz, Carlos Soto, Julián Rodríguez, Argiro Estrada, Fredy Alzate, Santiago Montoya, Gabriel Álvarez, Elkin García
Dirección: Kamber
Musicalización: Julián Rodríguez
Luminotecnia: Valentín Betancur
Vestuario: Faber Londoño
Asesoría en Comedia del Arte: Martha Villada

 

BEN JONSON
Poeta y dramaturgo inglés cuyo conocimiento de los clásicos, talento para la sátira y estilo brillante lo convierten en una de las principales figuras de la literatura inglesa. Jonson nació en Westminster en 1572; estudió en la escuela de la misma ciudad y trabajó en el negocio de albañilería de su padrastro. En 1592, después de servir brevemente en el Ejército inglés en Flandes, ingresó en la compañía de teatro londinense de Philip Henslowe como actor y aprendiz de dramaturgo, donde corrigió obras del repertorio y, al parecer, desempeñó el papel de protagonista en La tragedia española de Thomas Kyd. La primera obra de teatro original de Jonson, Cada cual según su humor, se estrenó en 1598 por la compañía de Lord Chamberlain con William Shakespeare en el reparto. La obra era una adaptación del dramaturgo latino Plauto, para la escena inglesa. A partir de 1603 Jonson empezó a escribir mascaradas para diversión de la corte del rey Jacobo I Estuardo, al parecer cumpliendo con su papel de poeta laureado. Las mascaradas sirvieron para poner de manifiesto su erudición, talento y versatilidad, y en ellas saca a relucir su mejor poesía lírica. Estas mascaradas, incluyendo El sátiro (1603), Mascarada de la belleza (1608) y Mascarada de las reinas (1609), se representaron casi siempre en elaborados escenarios italianos diseñados por el célebre arquitecto inglés y diseñador de escenarios Inigo Jones. Al mismo tiempo que escribía para la corte, Jonson continuó trabajando para el teatro comercial. Durante este periodo creó dos tragedias históricas, Sejanus (1603) y Catilina (1611), y cuatro comedias brillantes que consolidaron su reputación como dramaturgo: Volpone (1606), Epiceno o la mujer silenciosa (1609), El alquimista (1610) y La feria de san Bartolomé (1614). Sus diversos escritos, que incluyen epigramas, epístolas y poemas líricos, están reunidos en El bosque (1616) y Underwoods (publicado póstumamente en 1640). El bosque incluye su canción más famosa, "Bébeme sólo con los ojos". A pesar de sus enemistades literarias, Jonson fue el decano y el principal ingenio de un grupo de escritores que se reunían en la taberna Mermaid del distrito londinense de Cheapside. Aunque su talento creativo se plasmó en obras diversas, fueron sus teorías críticas las que más influyeron en la literatura inglesa de los reinados de Jacobo I y Carlos I. Buscó el perfeccionamiento del drama inglés como forma literaria aplicando las estructuras y reglas clásicas, luchó contra la mezcla de tragedia y comedia, y fue un activo abogado de los principios del drama establecidos por Aristóteles, que elogió a expensas de la flexibilidad y las propiedades improvisadoras de dramaturgos como Shakespeare. Su obra tuvo gran influencia en la comedia durante la Restauración (1660-1685) y durante los siglos XIX y XX. La importancia actual de Jonson reside en sus comedias costumbristas y en su ingenioso y cómico retrato de la vida londinense de la época.

 

VOLPONE O EL ZORRO
Es una sátira social, considerada por algunos como la obra maestra de Ben Jonson; allí retrata con humor negro una sociedad infectada por la traición, la avaricia, la doble moral, la corrupción, la deslealtad, la astucia y el engaño. Jonson basó su historia en cuentos medievales y en una fábula de Esopo en la que un zorro finge estar muerto para comerse a las aves carroñeras que vienen a alimentarse de su cadáver. Luego de llevar una vidadesenfrenada y sufrir varios infartos Ben Jonson murió en 1637 en la más lamentable pobreza, por esta razón fue enterrado de pie. www.epdlp.com (El Poder de la Palabra).

Miércoles, 24 Abril 2013 23:27

El Perro Carambolero

El Perro Carambolero

A las cosas que son feas ponles un poco de amor y verás que la tristeza va cambiando de color

Estreno: 24 de julio del 2009
Dramaturgia: Teresita Rodriguez
Actuación: Ángela Valencia, Carlos Soto, Fredy Alzate, Argiro Estrada
Dirección:Rolando Hernández Jaime
Luces: Guillermo Vásquez
Musicalización: Julián Rodríguez
Produccion: Teatro Tespys

 

Sinopsis

El Perro Carambolero es una obra escrita por la cubana Teresita Rodríguez-Baz en 1974. La versión de TEATRO TESPYS, es una puesta en escena realizada por el director, profesor y dramaturgo cubano Rolando Hernández Jaime, durante su estancia en El Carmen de Viboral, donde se encontraba invitado para participar en el Festival Internacional de Teatro EL GESTO NOBLE del 2009.
Esta es una propuesta teatral donde los desechos, las basuras toman vida en el escenario, un reciclaje creativo a través de la realización de títeres, muñecos, elementos escénicos y vestuarios con este tipo de material.

 

Sobre Teresita Rodríguez-Baz

(La Habana, 4.8.1945). Terminó sus estudios de comercio en 1961. Entre 1962 y 1974 trabajó en el Departamento de Catalogación de la Biblioteca Nacional «José Martí». Escritora para niños desde 1971, ganó ese año mención en cuento en el Concurso Nacional de los CDR, al año siguiente recibió el premio de cuento y una mención en música en el Concurso La Edad de Oro, el primero por su libro Monigote y la segunda por la canción «La rana Pancha». En 1973 ganó mención en cuento en el mismo concurso por El camaleón plateado. En 1974 recibió, respectivamente, mención en poesía, recomendación en teatro -ambas en el Concurso La Edad de Oro- y premio en teatro -en el Concurso 26 de Julio, del MINFAR- con Anda de prisa la jicotea, Perro carambolero y Cuando cantan las
lechuzas. Participó en el tercero y cuarto encuentros nacionales de teatro para niños. Ha colaborado con poemas, cuentos y obras teatrales en Bohemia, Revolución y Cultura, El Caimán Barbudo, Con la Guardia en Alto, Ha viajado a la Unión Soviética. Sus narraciones para niños, con las de otros autores, han aparecido en Cuentos (La Habana, Instituto Cubano del Libro, 1972), Cuentos para ti (La Habana, Instituto Cubano del Libro. Editorial Gente Nueva, 1974) -con Mercedes Fortes de la Osa y Elena G. Lavín- y Cuentos (La Habana, Instituto del Libro. Editorial Gente Nueva, 1975) -con Teresa Blanco-.
Algunas de sus piezas de teatro infantil han sido llevadas a la escena. Es asesora literaria de la Sección de Teatro Infantil de la Dirección de Teatro y Danza del CNC.

Miércoles, 24 Abril 2013 23:21

Pervertimento

Pervertimento

Hablo y hablo para retrasar lo inevitable

 

Estreno: 19 de abril del 2003
Actuación: Julian Rodriguez, Carlos Soto, Fredy Alzate, Irley Ruiz, Argiro Estrada, Angela Valencia
Dirección: Kamber
Dramaturgia: José Sanchis
Luminotécnia: Gabriel Álvarez
Producción: Teatro tespys.

 

Sinopsis

Personajes de teatro atrapados en su mundo metateatral; encerrados en los escenarios, tratan de resolver sus conflictos a través de la palabra; generando situaciones absurdas, donde se debaten entre la realidad, la irrealidad, la-otra-realidad y los submundos en que viven, con la complicidad voyerista del espectador. Es una profunda y cómica reflexión de estos "desamparados" seres, que el actor abandona una vez terminada la función. Es una búsqueda del teatro más allá de la representación y un escudriñar en lo que el espectador jamás palpa.

 

Extroducción

"Supongamos que está usted leyendo estas líneas mientras espera que dé comienzo la representación de "pervertimento" .Esta suposición implica que usted ha decidido acudir hoy a este teatro y que abriga determinadas expectativas. Quizás ha visto otros espectáculos nuestros y está dispuesto a concedernos una nueva oportunidad. Quizás le suena el nombre del autor o está enamorado de algunas de las actrices... ¿Se tratará tal vez de una de esas obras modernas sin pies ni cabeza, herméticas, deliberadamente raras, en las que la gente normal no entien¬de nada? Usted se considera, naturalmente, gente normal, un espectador común y corriente...Empieza a sospechar que, llegado al borde terminal de esta página, usted va a verse precipitado en el vacío, en el silencio, desnudo frente al mundo de formas y sonidos que está a punto de perpetrarse..."

Nota: "Pervertir" del latín pervertere, perturbar el orden o el estado de las cosas.
(Extracto escrito por el autor y entresacado de la introducción a la repre¬sentación de "Pervertimento")

 

Sobre Jose Sanchis Sinisterra

jos sanchisValencia España , 28 de junio de 1940. Dramaturgo y director teatral español, es uno de los autores más premiados y representados del teatro español contemporáneo y un gran renovador de escena española. Sanchis Sinisterra es también
conocido por su labor docente y pedagógica en el campo teatral. Vinculado al estudio y a la enseñanza de la literatura, ha reivindicado siempre la doble naturaleza –literaria y escénica–, del texto dramático. Además de sus obras, en su faceta de investigador y divulgador, Sanchis Sinisterra ha escrito numerosos artículos sobre teatro y participado en diversos coloquios y congresos dedicados al arte dramático. La obra de Sanchis Sinisterra siempre presenta una dinámica entre la tradición y las líneas dramáticas contemporáneas. La experimentación y la investigación son constantes. Esta investigación comprende, entre otros aspectos: Las fronteras de la teatralidad (lo intertextual, la implicación del espectador en la ficcionalidad, la metateatralidad, el cuestionamiento de la fábula y del personaje tradicional, lo no dicho, lo enigmático, etc.); el despojamiento de los elementos constitutivos de la teatralidad tradicional y la modificación de los mecanismos perceptivos del espectador.

A partir de los años 1980 Sanchis Sinisterra cruza con frecuencia las fronteras entre los géneros narrativo y teatral creando dramaturgias a partir de obras de autores del siglo XX como James Joyce, Julio Cortázar y Franz Kafka; pero también a partir de autores del Siglo de Oro español.

Sanchis Sinisterra defiende la necesidad de acercar el teatro a otras artes o a la ciencia y participa de la defensa de lo que este autor denomina una teatralidad menor: un tipo de teatro muy distinto al espectacular y comercial.

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